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Keith Levene, guitariste de Public Image Limited et cofondateur de The Clash, est mort
Le musicien, qui fut membre de deux groupes mythiques du punk rock et du post-punk britannique, s’est éteint à l’âge de 65 ans.


Keith Levene, membre fondateur du groupe de punk britannique The Clash, qu’il avait quitté pour lancer un autre groupe emblématique du post-punk, Public Image Limited, est mort à l’âge de 65 ans, ont annoncé samedi 12 novembre plusieurs proches du musicien sur les réseaux sociaux. Selon le quotidien britannique The Guardian qui cite la famille de Keith Levene, le guitariste souffrait d’un cancer du foie et s’est éteint aux côtés de sa compagne Kate Ransford dans leur résidence de Norfolk.

Plusieurs amis, anciens partenaires et musiciens ont salué son importante contribution au monde de la musique post-punk. Son ami, l’auteur Adam Hammond, a notamment estimé que Keith Levene a eu une « influence majeure sur les premières sonorités des Clash ».


C’est à 18 ans que Keith Levene, né Julian Levene dans le nord de Londres, fonde The Clash en 1976 avec le guitariste Mick Jones et le bassiste Paul Simonon. Avec le manager Bernie Rhodes, Keith Levene convainc Joe Strummer de rejoindre la formation, coécrit le titre What’s My Name mais quitte le groupe avant même la sortie de son premier album et le succès en 1979 de London Calling. Un an avant, après la séparation des Sex Pistols, le chanteur Johnny Rotten, redevenu John Lydon, lance avec Keith Levene le groupe Public Image Limited.


Le groupe se veut une « entreprise », d’où le « Limited », la musique n’étant qu’un moyen d’expression parmi d’autres, allant de la production de films au travail audiovisuel en passant par les excursions abstraites dans l’art.
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Le premier album studio du groupe, Public Image : First Issue, sort en 1978, suivi dès l’année suivante de Metal Box, aujourd’hui considéré comme un classique, puis de The Flowers Of Romance en 1981, qui sera le dernier album du guitariste avec le groupe. Keith Levene, qui intégrera ensuite le synthétiseur à ses compositions, sortira plusieurs albums solo dans les vingt années qui suivront, dont Violent Opposition en 1989 et des collaborations avec l’ancien bassiste de PiL, Jah Wobble. Selon The Guardian, Levene s’essayait aussi à la construction de guitares, et préparait avant sa mort un livre sur Public Image Limited avec l’écrivain Adam Hammond.

lemonde.fr

Disparition
Mort de François Hadji-Lazaro, fondateur du groupe de rock Les Garçons Bouchers
Le guitariste et chanteur, qui avait également fondé le groupe Pigalle, est mort ce samedi à l’âge de 66 ans. La cause de son décès n’a pas été rendue publique.



François Hadji-Lazaro était une figure du rock alternatif en France. Le musicien et chanteur est mort ce samedi 25 février à l’âge de 66 ans. A ce stade, la cause de son décès n’a pas été rendue publique. L’annonce est tombée sur Facebook, rédigée par Stef Gotkovski, saxophoniste et ex-membre des Garçons Bouchers, le groupe fondé par François Hadji-Lazaro au mitan des années 1980 : «En tant qu’ex-chef de la Propagande du Label Boucherie Productions, et accessoirement saxo faux Nietzsche des groupes Garçons Bouchers et Pigalle, et surtout en tant qu’ami de si longue date du Monsieur qu’on appelait Gros François, je me dois d’annoncer avec ce post (il fait Foi) le décès un peu avant minuit de François Hadji Lazaro ou Attilazaro selon l’humeur.»


François Hadji-Lazaro, né en 1956 à Paris, est notamment connu pour avoir fondé Les Garçons Bouchers. Avec les Wampas ou encore Bérurier noir, il s’agissait d’un des groupes phares dans le milieu du rock alternatif français des années 80. Celui-ci s’est formé en 1986 sous la houlette de François Hadji-Lazaro avant d’être dissous en 1997. François Hadji-Lazaro a ensuite poursuivi sa carrière en solo, en dirigeant la maison de disques indépendante Boucherie Productions ou encore en interprétant de la chanson pour enfants.

libe.fr

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Tina Turner, la « Reine du rock’n’roll », est morte
En soixante-dix ans de carrière, la vedette du rhythm and blues avait imposé sa griffe. Tina Turner s’est éteinte, mercredi 24 mai, à l’âge de 83 ans.


Vedette sauvage du rhythm and blues de la fin des années 1950 jusqu’au milieu des années 1970, au sein du duo – et couple infernal – Ike & Tina Turner, Anna Mae Bullock, de son vrai nom, avait acquis le statut de superstar en solo dans la première moitié des années 1980, en enchaînant tubes (What’s Love Got to Do with It, Private Dancer, The Best…) et tournées triomphales, lors d’un des plus improbables come-back de l’histoire du show-business. Adulée pour sa voix de feu et son énergie hors norme, admirée pour sa force de caractère, notamment après qu’elle eut révélé le martyre conjugal subi lors de sa première carrière, la chanteuse, danseuse et actrice, mondialement connue sous le nom de Tina Turner, est morte, mercredi 24 mai, à l’âge de 83 ans.

De multiples témoignages rendent hommage à celle qui fut surnommée « the Queen of Rock’n’roll » (« la Reine du rock’n’roll »), dont le jeu de scène électrisant avait enfiévré ses premiers disciples. Parmi eux, Mick Jagger, qui reconnaissait que sa gestuelle devait autant à James Brown qu’à celle avec laquelle il avait chanté un brûlant duo (State of Shock/It’s Only Rock’n’Roll), lors du Live Aid, le 13 juillet 1985.


Comme beaucoup d’enfants du Sud rural des Etats-Unis, Anna Mae Bullock trouve sa voix en prenant part au chœur de son église, la Spring Hill Baptist Church de Nutbush, le hameau du Tennessee où elle a grandi depuis sa naissance, le 26 novembre 1939. Fille d’un métayer, elle est élevée sur les bords du Mississippi, dans une campagne dévolue aux champs de coton.

Si son coffre se forme aux gospels du service baptiste, son oreille s’initie aussi au boogie-woogie, à la country et au blues, en particulier celui de B.B. King, diffusés à la radio. La petite fille rêve et voyage devant les images des stars d’Hollywood, mais sa réalité n’a rien de glamour.

« En transe »
Victime de violence conjugale, sa mère fuit le foyer en abandonnant ses trois filles. Sa cadette, Anna, n’a alors que 11 ans. Deux ans plus tard, c’est au tour du père de s’installer à Detroit (Michigan), laissant sa progéniture au bon soin de la grand-mère maternelle à Brownsville (Tennessee). A la mort de celle-ci, Anna, qui a été employée de maison dans une famille blanche, mais fut aussi basketteuse et cheerleader dans l’équipe de son école, part rejoindre sa mère, à East Saint Louis (Illinois).




Dès l’âge de 16 ans, elle fréquente, avec sa sœur aînée, Alline, passionnée de musique (elle écrira plusieurs chansons, pour Ike & Tina Turner, dont Funkier Than a Mosquita’s Tweeter, repris plus tard par Nina Simone), les meilleurs night-clubs de Saint Louis (Missouri) et East Saint Louis. C’est dans l’un d’eux, le Manhattan Club, qu’elle croise la route des Kings of Rhythm, le groupe mené par Ike Turner (1931-2007). Dans Tina (2021), le film documentaire réalisé par Daniel Lindsay et T.J. Martin, la chanteuse raconte comment elle était littéralement « tombée en transe » en assistant à ce concert.


Originaire de Clarksdale (Mississippi), le pianiste et guitariste Ike Turner est, en effet, un musicien d’exception, dont le talent s’est forgé en accompagnant des grands noms du blues tels Muddy Waters, Elmore James, Howlin’Wolf, Otis Rush ou B.B. King. Egalement producteur artistique, arrangeur et découvreur de talents, il s’est affirmé dans le milieu du rhythm and blues, tout en composant, en 1951, un titre, le fougueux Rocket 88, considéré par beaucoup comme l’un des actes de naissance du rock’n’roll. Ce succès, attribué contractuellement à son chanteur-saxophoniste, Jackie Brenston, comme d’autres enregistrements pour lesquels l’artiste se considérera floué, aiguiseront sa méfiance jusqu’à la paranoïa.

Le jeu tranchant du guitariste, d’un éclectisme anticipant également le groove du funk, subjugue à tel point Anna Mae Bullock qu’elle le supplie de monter sur scène avec lui. Après avoir essuyé plusieurs refus, elle obtient un jour gain de cause quand le batteur du groupe (et petit ami de sa sœur Alline) lui tend finalement le micro lors d’un entracte. Impressionné, Ike Turner propose à l’adolescente de se joindre aux autres chanteurs des Kings of Rhythm.

« Little Ann »
Le leader apprend à sa nouvelle recrue à contrôler la puissance de sa voix et à travailler sa prestation scénique. « C’était son héros, comme un grand frère », témoignera plus tard une des choristes du groupe en évoquant le début de leur collaboration. Celle qu’Ike Turner surnomme encore « Little Ann » enregistre, en 1958, Boxtop, son premier single avec le groupe. Elle entretient alors une relation avec le saxophoniste, Raymond Hill, avec qui elle a un fils, qu’elle élève en fille-mère quand le père, malade, repart vivre dans le Mississippi.


Sur la Tour Eiffel, à Paris, en 1989. PETER LINDBERGH / COURTESY PETER LINDBERGH FOUNDATION PARIS
Commence alors sa relation amoureuse avec Ike Turner, qui l’épouse dans la foulée et la rebaptise « Tina », en 1960, un nom inspiré par une héroïne de bandes dessinées, Sheena, Queen of the Jungle. Le premier succès du couple, A Fool in Love (sur le label Sue Records, en août 1960), correspond aussi aux premières violences subies par la jeune épouse. Alors que Tina, enceinte, demande à son mari de ne pas partir en tournée, il la frappe avec un embauchoir. « La torture a commencé et ne s’est jamais arrêtée. Mais pourtant j’avais de la peine pour lui », racontera la chanteuse, en expliquant, entre autres, sa soumission par son envie de ne pas trahir le musicien.




Conscient d’avoir entre les mains une bête de scène, Ike Turner transforme son groupe en une machine de guerre. L’orchestre est rebaptisé The Ike & Tina Turner Revue. Un trio féminin de choristes, les Ikettes, rejoint une formation dorénavant chargée de souffler sur l’incendie provoqué par les rugissements et les chorégraphies suggestives d’une Tina Turner aux robes et jupes dévoilant ses longues jambes de danseuse. Alors que triomphent les mélodies pop consensuelles du label Tamla Motown, la Revue fait basculer le rhythm and blues dans une bacchanale alliant rock et riffs funk.


En première partie des Rolling Stones
Impressionné par le duo, le producteur vedette Phil Spector les accueille sur son label, Philles. Surtout admirateur de la chanteuse, il parvient, moyennant finances, à convaincre Ike de le laisser réaliser seul les séances d’enregistrement. Monument pop, alliant le fameux « Wall of Sound » de Spector (construit à partir de tourbillons de cordes et de percussions) et le puissant registre de Tina Turner, le single River Deep, Mountain High (juin 1966) est un échec inexpliqué aux Etats-Unis, mais son succès en Europe (numéro trois au Royaume-Uni, numéro un en Espagne) et celui de l’album du même nom ouvrent de nouvelles portes.


Fans du duo, les Rolling Stones les accueillent en première partie de leur tournée britannique, à la fin de 1966, avant de renouveler l’invitation pour leur tournée américaine de 1969. La décennie suivante les voit triompher sur le mode de la reprise, avec une version du I Want to Take You Higher de Sly and the Family Stone, et surtout une interprétation calorifère de Proud Mary (numéro quatre aux Etats-Unis, en 1971), le classique de Creedence Clearwater Revival, qui, avec un million d’exemplaires vendus, restera leur plus gros hit.


L’argent de ces ventes permet à Ike Turner de lancer ses propres studios, Bolic Sound. Tina profite des productions qui suivent pour écrire ses premières chansons, dont l’excellente (et autobiographique) Nutbush City Limits (1973). Son époux la produit en solo : l’anecdotique Tina Turns the Country On ! (1974), puis Acid Queen (1975) cherchant à exploiter l’interprétation remarquée de sa femme dans la version cinématographique de Tommy, l’opéra-rock des Who.

Plus que jamais souffre-douleur d’un mari cocaïnomane, Tina Turner puise des forces dans sa nouvelle foi bouddhiste. Une ultime sanglante dispute dans une voiture les menant dans un hôtel de Dallas (Texas) la pousse finalement à s’enfuir et mettre fin à seize ans de relations toxiques. Presque quarante ans avant le mouvement #metoo, la chanteuse se confiera pour la première fois, en 1981, à propos de son passé de femme battue, dans un long entretien à l’hebdomadaire People Weekly.

Traversée du désert
Avant cela, divorcée, couverte de dettes, celle qui a choisi de garder le nom de Tina Turner traverse la seconde moitié des années 1970 en cachetonnant dans des émissions de télé ou dans des spectacles de cabaret au Caesars Palace de Las Vegas (Nevada), habillée des costumes glam-kitsch de Bob Mackie. Les échecs de ses troisième et quatrième albums solos (Rough, en 1978, et le plus disco, Love Explosion, en 1979) semblent confirmer que Tina Turner est désormais une figure du passé.


Mais ce qu’on pensait être une irrémédiable traversée du désert prend fin au début des années 1980. En 1979, elle a rencontré un Australien, Roger Davies, alors manageur d’Olivia Newton-John. Subjugué par les capacités scéniques de la tout juste quadra, celui-ci va l’aider à réaliser son rêve : « Devenir la première chanteuse de rock noire à remplir des stades comme les Rolling Stones. » Pourtant, aucune femme ne l’a fait jusque-là, et personne dans le métier ne croit en une chanteuse plus âgée que ses concurrentes. Elle change d’image, se coupe les cheveux, repasse du cabaret au rock, en affrontant la méfiance de sa maison de disques.

Roger Davies pressent que les sons d’une nouvelle vague britannique peuvent l’aider à redécoller. Anciens membres du groupe électropop The Human League, partis fonder Heaven 17, les Anglais Martyn Ware et Ian Craig Marsh proposent à l’Américaine de reprendre une version synthétique d’un morceau des Temptations, Ball of Confusion, pour l’album Music of Quality and Distinction de leur projet B.E.F. (British Electronic Foundation). Les mêmes l’aiguillent ensuite vers une reprise de Let’s Stay Together (1983), classique soul d’Al Green, pour un 45 tours solo démontrant que sa puissance de tigresse peut s’assouplir avec majesté, sur fond moelleux de pop contemporaine. Grand succès en Europe, le single lance la dynamique d’une renaissance triomphale.


Produit par pas moins de quatre réalisateurs artistiques, l’album Private Dancer, paru au printemps 1984, va exploiter cette veine pop-soul-rock FM, sublimée par une voix au sommet de sa maturité. Phénomène commercial de l’année, avec le Born in the USA de Bruce Springsteen et le Purple Rain de Prince, l’album collectionne les Grammys (trois) et les tubes : Better Be Good to Me, Private Dancer (signé Mark Knopfler de Dire Straits), I Can’t Stand the Rain (une reprise d’Ann Peebles) et surtout What’s Love Go to Do With It, écrit par le Britannique Terry Britten et destiné à l’origine au quatuor pop gentillet Bucks Fizz.


Star de la jeune chaîne MTV, Tina Turner fédère alors plusieurs générations d’auditeurs qui la célèbrent lors de tournées record, où la bête de scène donne sa pleine mesure, toutes jambes dehors.


Le cinéma participe à cette consécration grâce à son interprétation du personnage d’Aunty Entity dans Mad Max : au-delà du dôme du tonnerre, et de la chanson du générique, We Don’t Need Another Hero (Thunderdome).

Symboliques également, sa participation à l’enregistrement du tube caritatif We Are the World (1985), avec le collectif USA For Africa, regroupant les plus grandes vedettes du moment, et au concert Live Aid, en juillet de la même année, où son duo très « hot » avec Mick Jagger marque les esprits.




Dans le Livre des records
Albums (Break Every Rule, Foreign Affair, In Your Wildest Dreams, Twenty Four Seven) et hits (Typical Male, The Best, Tearing Us Apart, avec Eric Clapton, GoldenEye, écrit par U2 pour un générique de James Bond…) se succèdent jusqu’à la fin des années 1990. Si Tina Turner connaît un certain déclin discographique, ses tournées ne cesseront de triompher. Un concert au stade Maracana, à Rio de Janeiro, entrant même, en 1988, dans le Livre Guinness des records de l’époque, pour avoir accueilli 180 000 spectateurs.


Après une première tournée d’adieu, en 2000, elle tirera définitivement sa révérence scénique en 2008, à l’âge de 70 ans, pour se retirer en Suisse, dans une somptueuse maison au bord du lac de Zurich, avec son second mari, le producteur allemand Erwin Bach, rencontré en 1986.

Quelques rares enregistrements et rééditions la font un peu plus entrer dans l’histoire, comme quand, en 2018, une version de What’s Love Got to Do With It remixée par Kygo, en fait la première chanteuse à avoir classé au moins un titre dans le top 40 américain lors de chacune des sept dernières décennies.

Modèle de résilience, de combativité et de longévité, la « Queen of Rock’n’Roll » a été affaiblie par de nombreux soucis de santé à partir des années 2010 : infarctus, en 2013 ; cancer de l’intestin, à partir de 2016 ; greffe rénale, en 2017… Elle avait aussi connu les drames de la disparition de ses deux fils, Raymond Craig, qui s’est suicidé en 2018, et Ronnie, mort d’un cancer en 2022.

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Le chanteur Jean-Louis Murat est mort
L’auteur de « Dolorès » ou du « Moujik et sa femme » est mort jeudi 25 mai. Il avait enregistré une vingtaine d’albums.

Le chanteur Jean-Louis Murat est mort jeudi 25 mai à son domicile en Auvergne, sa région de cœur et d’origine, a appris Le Monde. Il avait 71 ans.

« Une part de l’Auvergne part avec lui », a réagi le maire de Clermont-Ferrand, Olivier Bianchi, saluant sur Twitter « la beauté du texte, la franchise du mot, la sincérité du chant ».


Né Jean-Louis Bergheaud le 28 janvier 1952, Jean-Louis Murat avait enregistré une vingtaine d’albums, dont Dolorès, en 1996, Le Moujik et sa femme, en 2002, ou A Bird on a Poire en 2004. Un album best-of de l’artiste, rassemblant vingt de ses titres, doit sortir vendredi.

Reconnaissable à son regard bleu, à sa chevelure brune ébouriffée et à sa voix lancinante, Jean-Louis Murat est indissociable du Puy-de-Dôme, où il a toujours vécu. « Sentiment nouveau », « Fort Alamo » « Si je devais manquer de toi » : son groove et son indépendance teintée de provocation ont fait de lui un artiste à part dans le monde musical français.


Le chanteur a connu les sommets des hit-parades en 1991 à la faveur d’un duo avec Mylène Farmer (« Regrets »), mais il assure avoir toujours vécu le tube comme « un enfermement ». « Ce que j’aime, c’est la chanson qui devient un tube, pas la chanson qui est déjà tube avant que les gens ne l’aient entendue » en raison d’une production calibrée, déclarait-il en 2014.

Volontiers provocateur, il avait fait scandale à ses débuts avec « Suicidez-vous le peuple est mort », certains médias craignant que ce titre soit une incitation au suicide. La pochette était signée par le photographe des stars Jean-Baptiste Mondino. Il connaîtra son premier succès commercial à la fin des années 1980 avec « Si je devais manquer de toi ».

Dans mes albums, « je raconte jusqu’au plus infini détail toute ma vie sentimentale, comme depuis le début de ma carrière », racontait-il, à plus de 60 ans. Extrêmement prolifique, il sortait quasiment un album par an ces dernières années.


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